茁zhuó | TOPIA托芘雅画廊新展

本次展览由TOPIA托芘雅画廊与仚東堂联合呈现，汇聚19位艺术家的创作力量。展览以"茁"为精神内核，既是对托芘雅多年扎根艺术领域的成长见证，亦如一枚破土的新芽，在艺术沃土中探寻存在与理想，展览将持续至6月29日。

zhuó

茁

艺术家 Artists

卜云军 Bu Yunjun

崔明非 Cui Mingfei

邓称文 Deng Chengwen

侯勇 Hou Yong

李双强 Li Shuangqiang

刘健 Liu Jian

刘园 Liu Yuan

罗荃木 Luo Quanmu

倪学敏 Ni Xuemin

牛玉河 Niu Yuhe

秦姣姣 Qin Jiaojiao

宋朋 Song Peng

唐自勇 Tang Ziyong

王锐 Wang Rui

王仁超 Wang Renchao

于小鱼 Yu Xiaoyu

赵新宇 Zhao Xinyu

张军 Zhang Jun

邹涛 Zou Tao

开幕时间 Opening Time

2025.4.12 3:00 PM

展览时间 Duration

2025.4.12——2025.6.29

展览地址 Address

山东省青岛市崂山区中天大厦C座东一层

East Floor, Block C, Zhongtian Building,

Laoshan District, Qingdao City, Shandong Province

正如一粒种子破土而出，嫩芽初绽，谓之“茁”。“茁”不仅是自然界蓬勃生机的象征，亦是存在主义哲学中“生成”（Becoming）的鲜活体现。它预示着从无到有，从潜在到现实的跃迁，蕴含着对生命力的肯定与对未来无限可能的期许。本次展览以“茁”为名，正是希望撷取这份内在于万物之中的生长力量，映照着托芘雅，这个汇聚艺术能量并持续生长的场域，如同这初生的嫩芽，在艺术的沃土中汲取养分，探索其存在的意义与价值，并朝着理想之境不断靠近。

这远非流于表面的视像撷取，更是对“真”（Truth）与“美”（Beauty）的探寻，如同现象学所强调的，我们试图回到事物本身，从艺术作品中直接体验和理解世界的丰富性。以艺术为桥梁，连接个体经验与普遍情感，在共鸣中消解存在的疏离，构筑一个充满人文关怀的精神场域。艺术并非与生活割裂的彼岸世界，它恰恰是“此在”（Dasein）的一种诗意表达，在日常细微之处显现意义，润泽着我们有限的生命，也指引我们对更美好境界的向往。黑格尔辩证法所揭示的，每一次迭代更新都蕴含着对既有模式的超越与创新。不被僵化的框架所定义，积极拥抱艺术的多元表达，尝试各种可能性，这是对“开放性”（Openness）的追求，一种拒绝本质主义，拥抱流动的存在状态。如同“茁”的每一次舒展，都是对自身边界的拓展，对潜在能力的实现。

而这份生生不息的成长精神，深刻地根植于艺术家们的主体性之中。他们以其独特的“意识流”（Stream of Consciousness），捕捉瞬息万变的感知与体验，将个体的“内在超越”（Internal Transcendence）转化为可见可感的艺术语言。他们的作品，是其独特生命历程的印记，是对“存在先于本质”（Existence precedes essence）的深刻诠释。我们希望通过展览，搭建艺术家与观者之间“主体间性”（Intersubjectivity）的桥梁，在彼此的凝视与对话中，实现更深层次的理解与共鸣。空间不仅是艺术作品的展示之所，更是思想碰撞与意义生成的场所。艺术活动与讲座，鼓励多元视角的交流与碰撞，共同在艺术的语境下，探讨人生的意义、社会的价值以及我们与世界的关系。

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Just as a seed breaks through the soil and its first tender shoots emerge, so too does the notion of "burgeoning" signify the vitality of existence. Beyond a mere metaphor for nature’s exuberance, "burgeoning" embodies the existential concept of becoming, marking the transition from potential to actuality, from the latent to the realized. It affirms the force of life and anticipates infinite possibilities. This exhibition, named Burgeoning, seeks to capture this intrinsic energy that permeates all things, reflecting the essence of Topia—a dynamic site of artistic convergence and continuous evolution. Like a nascent sprout drawing nourishment from the fertile ground of artistic practice, it strives to explore the significance and value of existence, perpetually reaching towards an ideal realm.

This endeavor transcends the superficial act of visual representation; it constitutes a profound inquiry into truth and beauty. As phenomenology urges us to return to the essence of things, we attempt to directly experience and comprehend the richness of the world through art. By forging connections between individual experience and universal emotion, the exhibition fosters a shared resonance that dissolves existential alienation, constructing a spiritual domain imbued with humanistic concern. Art is not a detached entity existing beyond life’s realm—it is, rather, a poetic articulation of Dasein (Being-there), manifesting meaning in the minutiae of everyday existence. As Hegel's dialectic suggests, every iteration of renewal entails an act of surpassing and innovating existing paradigms. Resisting rigid frameworks and embracing the multiplicity of artistic expression exemplifies a pursuit of openness, a rejection of essentialism in favor of a fluid, ever-evolving state of being. Like the unfolding of each new shoot, this openness signifies an expansion of boundaries and a realization of latent potential.

This ceaseless spirit of growth is deeply embedded in the subjectivity of the participating artists. Through their unique stream of consciousness, they capture the fleeting interplay of perception and experience, transforming their internal transcendence into a tangible artistic language. Their works bear the imprint of their singular life trajectories, offering a profound interpretation of the existentialist notion that existence precedes essence. The exhibition aspires to establish a bridge of intersubjectivity between artist and audience, fostering a space where gazes meet, dialogues unfold, and deeper understanding emerges. The exhibition space is not merely a site for the display of works, but a locus for intellectual engagement and the generation of meaning. Through artistic interventions, discussions, and lectures, the event encourages a plurality of perspectives, facilitating a collective exploration of life’s significance, societal values, and our ever-evolving relationship with the world.

作品预览

Works Preview

罗荃木《生产者》布面油画

Luo Quanmu,Producer,Oil on canvas

145×260cm,2024

崔明非《财产》布面油画

Cui Mingfei,Property,Oil on canvas

150×250cm,2023

邓称文《内观》布面油画

Deng Chenwen,Vipassana,Oil on canvas

80×60cm,2023

刘健《荒地-2》布面油画

Liu Jian,Wasteland-2,Oil on canvas

220×160cm,2024

侯勇《紫灰的拥抱》布面油画

Hou Yong,Purple Gray Embrace,Oil on canvas

60×50cm,2023

张军《消音 No.1》布面油画

Zhang Jun,Silence No.1,Oil on canvas

120×120cm,2022

艺术家介绍

About Artist

卜云军（b.1982）

1982年出生于四川

现工作生活于北京

卜云军选择的图像来源是用手机随意拍摄的路边花草。图像本身并不重要，他的意图在于从写实性的图像出发，探索出具体形象所蕴含的可能性，或者用他自己的话来说——“抵抗形象”。机械地、重复地用浓墨勾勒或填补出物象的基本轮廓，在"遮蔽/显现"的模糊地带，将个体表达植入形象的裂隙之中。毛笔在绢上直接作画会遗留下许多残缺和不精准，却也让卜云军可以在具体形象之外拉扯出一个空间，在破坏掉作品与图片素材关联后，在漫长的工作过程中，让时间性与个体感受一道，决定作品最终呈现的样态。

崔明非（b.1983）

1983年出生于天津

目前生活工作在天津，费城

2013至2015美国费城宾夕法尼亚美术学院，艺术硕士学位，油画方向

2002至2006天津美术学院油画系，艺术学士学位，油画方向

将诸多不同情境中的元素打碎，在画面中重新进行拼贴，因而呈现出复杂如剧场般的观感。詹默介绍，崔明非的作品倾向于展现历史中的劳动者形象，画面涵盖了历险、苦难、扭打、收获等多种色彩，稍显沉重的叙事在当代反而有其深刻的意义。

邓称文（b.1981）

1981年出生于广东省

2006年毕业于天津美术学院油画系现工作

生活于北京

邓称文近年的绘画实践围绕内容、材料、形式与概念展开多元探索，逐步实现绘画范式的转换：从主题叙事与具象表达转向无主题、非具象的画面语言，旨在超越再现性感知，提纯绘画基本形式，以期“回到绘画本身”。如同现象学“回到事物本身”的理念，邓称文的“回归”首先“悬置”了传统绘画的二元再现逻辑，认为绘画并非对客观物象的再现与解释，一切表象皆为抽象。其“形态”系列更进一步摆脱具体物象的束缚，色彩、线条、明暗、肌理、节奏与气息等绘画基本语言，经由艺术家的内在意识在画布上碰撞、组合、生成，从而拓展出更为丰富的艺术可能性。

侯勇（b.1976）

1976年出生于中国北京 

1999年毕业于中央美术学院油画系

在《恋人絮语》中，罗兰巴特写道："对恋人来说，拥抱这个动作似乎在某个时刻实现了他与爱人完美结合的梦想。"这句话中"似乎"的出现颇值得玩味——即使在恋人"温柔宁静的怀抱中"，依然可能酝酿着一场"内心的风暴"，两具身体之间"完美的结合"犹如语言中的绝对清晰一般不可得。肢体语言正如符号语言一样，其解读本身充满了诸多悬而未决：凝视可以温暖或者冰冷，微笑可能代表喜悦，也可能暗藏着杀机，"拥抱"系列绘画就如此般从拥抱动作本身的模糊多义性展开。

李双强（b.1992）

1992年出生于辽宁丹东

中央美术学院博士在读

《长梦》系列深入探讨了潜意识领域，在那里，时间似乎无限延展，过去、现在和未来的界限模糊。通过抽象的形式和鲜艳的色彩，我试图描绘梦境的超现实体验—这种梦境若隐若现，难以理解，像是远处的星辰，在红移中永远远离，却留下了光的痕迹。

刘健（b.1981）

1981年生于哈尔滨

2010年毕业于中央美术学院油画系

现工作生活于北京

刘健的创作开始于对绘画的现代主义式"重估"，即将画布视作一种实存物质，着迷于不同面料的纱支磅数、克重、密度、粗细，以及本身携带的颜色与质感。而作为物质的画布、天然扁平的形状、突破常规的颜料......这些构成绘画语言的媒介，在刘健的手中经历了一场几乎完成的革命：在有色帆布上，他尝试过用具有漂白效果的次氯酸钠溶液作画，再施用丙烯或者油彩，一些临时且即兴的因素（比如室外灰尘或突如其来的降雨），也被引入到创作当中......只是他没有像传统极简主义者们那样走向了三维空间，而是明智地止步于平面性，依然将它们当作平面绘画来展示。

刘园（b.1976）

1976年出生于山东潍坊 

毕业于中国美术学院油画系

现为职业艺术家、上海艺术外滩艺术顾问

笔法及意象的表现对于七岁开始学习中国泼墨山水画的他来说已是潜意识里深刻的存在。创作过程中，刘园总把自己融入到周围的环境里，如一缕阳光、一阵清风，快速的把感受表现在画布之上。他的作品更像是一本修行日记，是可控和不可控中逐渐找到的平衡，是感知自然筑就的生命力，是东西方绘画的完美融合。

罗荃木（b.1965）

1965年生于江苏南通‍

1990年毕业于南京师范大学‍

现生活工作于上海、南京

当历史叙事日益沦为权力书写的副本，或许唯有艺术的形式自律性，能成为超越时代的认知图谱——正如《生产者》中女工制服褪去意识形态外衣后，裸露出的不是控诉，而是人类生存境遇的永恒困局。

倪学敏（b.1996）

1996年生于安徽宣城

2022年硕士毕业于湖北大学油画系，湖北

省美术家协会会员，现为职业画家，工作生活于河北

秩序感对应的不是墨守成规与古板，更像是一种近乎梦幻的浪漫。直观画面人的痕迹被进一步抽离，取而代之的是一些失去日常经验的物象，这些物象在脱离真实空间逻辑后获得了一种超然的象征力量，让这些“无人之境”有了生命的痕迹和人的温度。画面中的虚构世界与我们所处的现实世界之间，在看与被看的关系中，以一种绘画精神为指引展开对理想与现实、虚无与永恒、自我与他者等关系的凝视与追问。

牛玉河（b.1982）

1982年生，山东泰安新泰人

2001年毕业于山东省艺术学校

现生活工作于北京、银川

艺术家从一个词语开始，带动相关联的另一个词语，然后以不加预设的方式生成图像。石头与山口，这两个词语具有相似性，都是以人的身体做为比喻形成的词语。当石头这个词语出现的时候，山口这个词以及山口的风景紧接着就出现在了我的意识中，这相当于把脑海中沉默的词语与图像进行激活，然后让它们在绘画的动作中发生关联，从而让图像进入阅读和观看。

秦姣姣（b.1984）

1984年出生于湖北浠水

2007年毕业于佳木斯大学美术学院

2007-2010年生活于798艺术区和宋庄

2019年、2021年作为驻留艺术家入驻上苑艺术馆并参与国际创作计划

艺术家在绘画语言层面选择“减法”，回归至“点线面”的本体，并采用平涂这一纯粹的语言形式，旨在摒弃表达的歧义与虚饰。其内容层面则聚焦于人的内在世界，通过“释放身体的自由意志”来观照“自我”，将身体视为独立的主体，引领内在秩序的重塑。历经十年的“体向”系列探索，绘画语言的革新是其核心驱动力，主题的生成具有内生性。“体向”系列作品以平涂为主要技法，虽看似简约，实则蕴含着对形式的极致追求与心性的磨砺。画布被视为身体的观察场域，肉体的自由互动映射出人际关系的复杂性与时间的维度。“体向”主题蕴含着对身体内在潜能的信念，期望通过身体的引导，抵达内在的自由与和谐。

宋朋（b.1983）

1983年出生于山东青岛

毕业于中国美术学院

现工作生活于青岛

艺术家挪用戏谑广告元素进行“反编码”，使其脱离资本逻辑，抵抗驯化，戏仿拟像虚无性。扭曲广告成“非人行动者”，反转情动，微观政治抵抗，测试符号边界，以符号游击战松动消费主义。并置写实与纯色圆形挑战视觉语言，引发对存在、认知、秩序、混乱的思考，质疑感知可靠性，瓦解意义确定性，平衡秩序与混沌，暗示权力或异化，解读为规训或数字殖民，引发“知觉行动”，色彩具现象学意义，构成尺度悖论，体现物质性思考，隐喻算法覆盖感知。作品力量在于解释不确定性，对抗单一意义霸权，邀观众构建个人解读，构成开放场域。

唐自勇 (b.1974)

1974出生于湖南株洲

毕业于广州美术学院

现居上海

当绘画试图以整体统摄个体或群体世界，并固化其存在时，内在的热情与冲动将被抑制。克制的笔触、切割延伸的构图、鲜明对立的明暗、城乡景观、人与动物的静默与突兀、僵硬与弧形、正面与背影等矛盾元素，虽被艺术家统合于同一画面，却丧失了应有的生命活力，形成一个服从整体因果律的僵化统一体。其内在矛盾与存在感使其交叉点呈现紧张与荒诞，作品由此超越个体隐微的苦衷，转喻为特定社会群体的镜像，集体存在中的陌生人。

王锐 (b.1987)

1987年出生于重庆市

2010年毕业于云南大学

"荒陬"系列的起点是王锐对骨头及其内部结构的偏爱。当骨头被切开后，那些起伏蜿蜒的片状或线状骨质结构呈现出介于具象与抽象之间的美感，让王锐为之着迷。面对事物天然的"中间状态"，画家拥有了将情绪与感受植入其中的更大自由，也需要在两种创作风格之间反复摇摆，最终让具象/抽象在画面上汇合交融。

王仁超 (b.1987)

1987生于陕西

2010本科毕业于西安美术学院油画专业

2016研究生毕业于西安美术学院油画专业

现生活工作生活于北京、西安

严肃音乐的长期聆听和古代早期艺术文明一直是我的艺术养分。

严肃的音乐类型如布鲁克纳、巴托克、梅西安、勋伯格以及施托克豪森等交响乐作品给予自己很多启示，比如“叙事般的推演”、“戏剧般的动机指示”、“打击乐在空中的泛音”和“复杂和声的涌现”等听觉感受通过自我理解转换到作品中的处理和归纳。

中国古代造形术给予自己创作中繁衍和创造形的意识。画面中用二维和三维结合来呈现出半抽象的面貌。作品里“半抽象带翅膀”的形象映射正如自身这代已不再年轻的80、90的人们对自由、理想、处境和生命意义思考。

于小鱼 (b.1988)

1988出生于陕西

曾先后就读于清华大学美术学院、马来西亚林国荣创意科技大学、首都师范大学美术学院

现居住于北京

创作如同开启潜意识的闸门，释放被压抑的、碎片化的本我内容，作品中奇异的线条与形状组合或为潜意识未竟之欲，或为情绪的隐晦表征。同时，创作亦是一种自我表露，将内在深处的自我，即便呈碎片之状，向外显现，构成一种心理释放，类同于艺术化的日记书写。此或与心理防御机制相关，当完整连贯的表达难以承载复杂情感或内在冲突时，碎片化表达便成为一种防御策略，以回避直面强烈的负面情绪或矛盾的自我认知。在感知层面，观者将基于自身的心理经验与情感状态，对这种“本我的碎片化表达”进行投射，从而赋予作品多元而丰富的解读维度。

赵新宇 (b.1989)

1989生于内蒙古

2012毕业于四川美术学院油画系，获学士学位

现工作、生活于北京

艺术家并非致力于描绘糕点的甜美，而是借由这一熟悉又陌生的意象探讨图像生成的机制，发掘独特的视觉魅力，并唤起观者似曾相识的生活记忆。其新作标志性地运用无纺布与喷枪，前者作为柔软且富于色彩的“有温度”的材料，后者却常被艺术家反向操作，喷绘冷峻、不适的图像，制造材料与图像的反差感。无纺布常被赋予冷硬的金属色或裁切成尖锐图案，喷枪的运用也并非追求模糊朦胧，而是以冷峻尖利的质感呈现甜品形象，并保留起稿的粗糙感，对抗喷枪绘画的平滑质感，在整体上形成一种具有对抗特质的“陌生化”视觉秩序。这种秩序并非写实的墨守成规，而是艺术家对图像进行全盘改造的结果，例如将暖色调替换为冷色调，营造出一种非诱人食欲反而带有锋利感的视觉效果。无纺布裁切的碎片以其天然哑光特性和谐地融入画面，虽似超现实主义的显现，其梦幻质感并非源于荒诞变形，而是基于精确的细节刻画和图像元素的调配，最终引导观者从画面转向自身的记忆深处。

张军 (b.1980)

1980年生于河北

现工作、生活于北京

张军对于植物题材的探索上，首先在意义层面借用并改造了已有的象征体系——花草历来被视为死亡和生命脆弱的隐喻，坚韧的磐石则象征回忆的永恒；而他笔下的坚固的磐石则被时间击碎，脆弱的植物被赋予澎湃的生命力，既非尘世所有，又令人陌生、且具备几分危险性，像是观者突然闯入一处陌生的园林，里面满是奇花异草，瑰丽之中透露出几分颓败危险的气息，也许传说中的“食人花”就隐藏其中......那些花朵张开的形状与茎叶弯曲的方式，都让人想起一条准备突袭的毒蛇，蓄势待发又纹丝不动。

邹涛 (b.1984)

1984年生于辽宁沈阳

2009年毕业于鲁迅美术学院

2010年获首届约翰· 莫尔绘画奖（中国）优秀奖

现工作生活于沈阳

将日常生活作为创作主题，并开始更大胆地运用壁画式的散点构图，进一步压缩画面中的幻觉景深，在平面中将人物形象与物象排布出一种参差错落的形式美感，通过对色彩的独到组合、搭配，追求某种视觉上天然且永恒的均衡感。